Don Quichotte

- La beauté et la diversité des tableaux qui, au fil des actes, nous transportent de la place de marché festive et haute en couleurs, à l’univers onirique et poétique de divinités mythologiques féminines, à la mystérieuse forêt des gitans. En mobilisant presque en permanence la totalité du corps de ballet et en intégrant pleinement les figurants dans la narration, la scène s’anime pendant les trois heures de spectacle qui défilent à toute allure, au rythme des péripéties et des chorégraphies. Dans les tableaux d’ensemble, les costumes aux couleurs vives et chaleureuses viennent sublimer le travail technique des danseurs, par exemple en déployant les capes des matadors (Acte 1). Dans les variations en solo ou en duo, on appréciera la variété des styles présentés : du menuet au fandango, le ballet met la danse espagnole à l’honneur, dont la fougue et la passion éblouissent le public.

- La grande part de comique dévolue au ballet, qui plonge aussi bien la scène que la salle dans une atmosphère réjouissante et festive. Ruses, travestissements et pantomimes se succèdent avec fluidité dans une narration pleine de rebondissements : du déguisement de Kitri et Basilio en gitans pour échapper à Lorenzo et Gamache, au faux suicide de Basilio, ultime recours pour obtenir la bénédiction du père de sa belle, les nombreux stratagèmes employés offrent un réel divertissement pour le public qui se prend au jeu et s’attache aux personnages. En cela, ils sont d’autant plus convaincants que les danseurs semblent partager une véritable complicité dans la danse et le jeu d’acteur. 

- L’excellence des danseurs étoiles, qui s’illustrent sur des variations dont l’exigence technique redoutable est bien connue. Le rôle de Kitri est long et difficile, marqué par plusieurs morceaux de bravoure (comme la diagonale de pirouettes dans sa variation de l’Acte 1, ou les 32 fouettés de celle de l’Acte 3), si bien que la ballerine utilise trois paires de pointes par représentation ! Le rôle de Basilio n’est pas moins exigeant, surtout depuis sa réécriture par Noureev : deux solos ont été ajoutés à sa partition, dont les enchaînements complexes et cadencés rendent d’autant plus impressionnante la performance du danseur étoile. Cette griffe caractéristique de Noureev représente une évolution majeure dans la composition des grands ballets, où l’homme n’est plus simplement le partenaire et le soutien de la danseuse, mais reçoit l’occasion de mettre en valeur ses talents d’interprète et de technicien, sous les yeux ébahis des spectateurs. Le soir de la première, Valentine Colasante et Paul Marque ont incarné les deux jeunes amants avec virtuosité et passion, bravant avec une apparence de facilité déconcertante les difficultés de ce ballet d’envergure. 

- La partition de Minkus qui achève de plonger le spectateur dans l’univers de la narration : son rythme entraînant et ses accents joyeux recréent parfaitement l’ambiance de la place barcelonaise, tandis que ses airs mélodieux et sa fluidité illustre avec justesse l’imaginaire du « Chevalier à la triste figure ». De plus, on soulignera la qualité singulière de la musique de Minkus à sublimer la prouesse du danseur, s’attachant à faire ressortir chaque pas, grâce à des pauses, des tempi, des allegros et des codas. Cette diversité des rythmes et des compositions musicales crée un espace de liberté pour les interprètes, qui peuvent investir leur rôle avec sincérité et authenticité, à travers la mélodie qui accompagne leurs variations.